Bouches-du-Rhône

Le Camp des Milles abrite aujourd’hui un important musée historique, tourné vers l’Éducation et la Culture. S’appuyant sur l’histoire du lieu, son action est destinée à renforcer la vigilance et la responsabilité de chacun, face aux racismes, à l’antisémitisme et à tous les fanatismes : - d’une part, en s’appuyant sur la mémoire et l’histoire de la Shoah et des crimes génocidaires commis contre les Arméniens, les Tsiganes et les Tutsis, ainsi que sur les résistances à ces crimes. - d’autre part, en tirant parti des acquis scientifiques permettant de comprendre les processus individuels et collectifs qui peuvent conduire à ces crimes, mais aussi les capacités qui permettent de s’y opposer. Un lieu sauvé par 30 ans de mobilisation de la société civile. Depuis fin 2012, un Site-Mémorial est ouvert au public ainsi qu'un parcours de visite inédit sur 15 000 m2, pour apprendre de notre passé. Un repère citoyen pour aujourd’hui et pour demain. Musée, expositions permanentes et temporaires, films, débats, programmation culturelle jeune public et tous publics, forums, ateliers… Monument Historique. Un des neuf hauts lieux de mémoire français. A noter que l'accès est libre dans les lieux suivants : exposition nationale permanente Serge Klarsfeld sur les 11400 enfants juifs déportés de France à Auschwitz, ainsi que la salle des peintures avec d'imposantes peintures murales réalisées par des artistes internés, le chemin des déportés et le wagon du souvenir. ➜ Durée : 1h à 2h environ ➜ Audioguide en français, allemand, anglais ➜ Le billet donne accès aux expositions temporaires ➜ Les animaux sont interdits Réservations auprès des conseillers en séjour de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence ou sur le site de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence.

Centre architectonique et Monument Historique. Classée Monument Historique depuis 2013, la Fondation restaure son bâtiment. Actuellement les équipes interviennent sur les les façades et les sols. Une alvéole peut être momentanément fermée au public. Nous vous remercions de votre compréhension. Plongez dans l’univers fascinant de l’art optique au coeur d'un bâtiment lumino-cinétique imaginé, conçu et financé par Victor Vasarely. Seize modules à base hexagonale, imbriqués dans un gigantesque jeu de construction, présentent 44 oeuvres monumentales. Réalisées en métal anodisé, en tapisserie, en céramique, en émaux et en verre sérigraphié, ces oeuvres sont le fruit d’une collaboration fructueuse entre le plasticien, les architectes et les entreprises, dans le but de créer la cité polychrome du bonheur. ● Visite libre avec livrets disponible gratuitement en français, anglais, allemand, néerlandais, espagnol, italien, suédois, hongrois, chinois, portugais, et grec. ● Durée : 1 à 2h ● L'accès aux expositions temporaires est en inclus. ● ​Les animaux sont interdits.

Les musées participants sont : ● Le musée Granet & Granet XXe (hors période d'exposition estivale) ● Le musée du Pavillon de Vendôme ● Le musée des Tapisseries - Palais de l'Archevêché ● Le musée du Vieil Aix - Hôtel Estienne de Saint-Jean.

Établi entre Paris, le sud de la France et la Grèce, il développe une œuvre inspirée par l’histoire et la mémoire de ces lieux qui, à travers le monde et la Méditerranée en particulier — nourrissent les passions communes de nos vies passées, présentes et à venir. Les paysages de Grèce ou d’Italie succèdent aux ateliers des grands artistes de la modernité, aux jardins de Giverny où à l’intérieur d’une maison arlésienne, embarqués dans une quête éperdue de la beauté que l’artiste orchestre avec une poésie inouïe. Visite guidée gratuite, le mercredi à 16h en français et à 17h en anglais.

Photographe autodidacte, Jean-Paul Braud est né, vit et œuvre dans la région d’Aix-en-Provence. Issu du monde du cinéma professionnel, son travail photographique en porte l’empreinte par une attention portée à la lumière – ou plutôt son absence - et au récit silencieux de l’image.

Pour son exposition au 3bis f, elle développe un projet sur les objets qui restent après la mort de quelqu’un.e. Ces choses, parfois anodines, qui deviennent des traces, des présences ou au contraire, des éléments qu’on cherche à oublier. Comme si ces objets déjà inertes et silencieux le devenaient encore plus. Dans son travail, Ghita aborde notre peur de la maladie ou notre rapport au deuil, ces ‘douleurs’ présentes dans différents contextes, que l’on aurait peut-être en commun. Cependant la classe, le genre, la race ainsi que d’autres marqueurs d’inégalités influencent et modifient nos rapports aux soins et au vivant. Ces situations produisent différentes échelles de colères, d’amertume, d’injustice. Mais est ce qu’il y aurait quelque chose de l’ordre du commun dans la peine de perdre des êtres chers ? Programmation du 3 bis f centre d’arts contemporains en partenariat avec l’Ambassade du Royaume des Pays-Bas en France, Mondriaan Fonds et la Biennale d'Aix-en-Provence 2026

Lors de sa résidence, Ghita Skali souhaite développer un projet sur les objets qui restent après la mort. Ces choses, parfois anodines, qui deviennent des traces, des présences ou au contraire, des éléments qu’on cherche à oublier. Comme si ces objets déjà inertes et silencieux le devenaient encore plus. Dans son travail, Ghita aborde notre peur de la maladie ou notre rapport au deuil, ces ‘douleurs’ présentes dans différents contextes, que l’on aurait peut-être en commun. Cependant la classe, le genre, la race ainsi que d’autres marqueurs d’inégalités influencent et modifient nos rapports aux soins et aux vivants. Ces situations produisent différentes échelles de colères, d’amertume, d’injustice. Mais est ce qu’il y aurait quelque chose de l’ordre du commun dans la peine de perdre des êtres chers ? Vernissage- Brunch samedi 11 avril de 11h à 13h..

« Au cœur du Tendre » s’inspire de la célèbre Carte du Tendre imaginée par Madeleine de Scudéry au XVIIe siècle, en réinterprétant certaines images de l’histoire de l’art l’artiste revisite à travers le dessin les multiples paysages de l’amour, du lien et de l’affection réciproque. Note d’intention de l’artiste "Mon projet d’exposition - Au coeur du Tendre - est né de mes recherches sur les représentations picturales de l’amour. Après une série de dessins consacrés à la femme amoureuse, j’emprunte ici un autre chemin : celui de la tendresse. Le Tendre évoque bien sûr l’amour romantique mais aussi une manière d’être au monde. Inspirée par la Carte du Tendre, le pays imaginaire de Madeleine de Scudéry (XVIIème siècle), cette exposition propose de traverser différents paysages de l’amour, du lien et de l’affection réciproque. En revisitant certaines oeuvres de l’histoire de l’art comme les fêtes galantes de Watteau ou les récits mythologiques tels que Mars et Vénus, je cherche à en proposer une lecture actuelle et personnelle." - Aurélie Sicas Le fusain, médium que j’affectionne pour sa fragilité et sa sensualité, parle lui aussi de tendresse. Pour la réalisation de mes images je dois effleurer le papier, caresser la surface plutôt que la contraindre, étaler délicatement la poudre de fusain avec des pinceaux, retenir mon geste pour préserver la lumière d’une trace. Travailler au fusain c’est être attentif à l’équilibre précaire entre apparition et effacement. Souvent reléguée ou oubliée, la tendresse est pourtant essentielle à toute forme d’amour. Je cherche ainsi à convoquer la douceur, non pas comme un refuge naïf mais comme un acte de résistance. La tendresse devient ici un langage qui, au-delà du sentiment amoureux, traduit une attention à l’autre, une manière de renouer avec l’humain. « Au coeur du Tendre » est ainsi une cartographie intime et symbolique : un territoire d’images où la tendresse se fait matière, mémoire et présence.

"Au cœur du Tendre" s’inspire de la célèbre Carte du Tendre imaginée par Madeleine de Scudéry au XVIIe siècle, en réinterprétant certaines œuvres de l’histoire de l’art l’artiste revisite à travers le dessin au fusain les multiples paysages de l’amour, du lien et de l’affection réciproque. Vernissage le samedi 11 avril à 16h.

Le musée Granet d’Aix-en-Provence présente en collaboration avec la Fondation Jean et Suzanne Planque, à Granet XXe, Kosta Alex, Coup de chapeau, une exposition consacrée à l’artiste américain d’origine grecque, Kosta Alexopoulos (1925-2005) dit Kosta Alex. À partir de matériaux pauvres glanés ici et là, il crée une œuvre singulière, empreinte de cocasserie et d’ingéniosité. Sculpteur prolifique et résolument libre, Kosta Alex s’est tenu à l’écart de tout courant artistique, s’inspirant de la vie et de la poésie du quotidien. Artiste discret, il demeure dans l’ombre des grands qu’il fréquente – une attitude qu’il partage avec Jean Planque. L’étroite amitié qui le lie à ce dernier incite d’ailleurs Kosta Alex à compléter l’ensemble réuni par le collectionneur suisse d’un don d’une dizaine d’œuvres. À sa mort, sa famille offre à nouveau un groupe important de sculptures, dessins et cartons-reliefs à la Fondation Jean et Suzanne Planque. Cet événement vient clore quinze années de collaboration et de dialogue intense entre la Fondation Jean et Suzanne Planque et le musée Granet, tel un "coup de chapeau" à cette aventure artistique et à cette collection exceptionnelles !

Pour sa première exposition personnelle à la Galerie Ramand Aurélie Sicas nous invite à explorer un nouveau territoire de recherche : celui de la tendresse. Au cœur du Tendre s’inspire de la célèbre Carte du Tendre imaginée par Madeleine de Scudéry au XVIIe siècle, en réinterprétant certaines images de l’histoire de l’art l’artiste revisite à travers le dessin les multiples paysages de l’amour, du lien et de l’affection réciproque. "Au cœur du Tendre" est né des recherches que j’ai mené sur les repré­sentations picturales de l’amour. Après une série de dessins consacrés à la femme amoureuse, j’emprunte ici un autre chemin. Le Tendre, s’il évoque d’abord l’amour galant du XVIIème siècle, désigne aussi une manière d’être au monde qu’il me paraît pertinent d’explorer aujourd’hui. Inspirée par la Carte du Tendre, le pays imaginaire de Madeleine de Scudéry, je pro­pose de traverser des paysages de la relation amoureuse, du lien et de l’affection réciproque. En revisitant des œuvres de l’histoire de l’art comme la Gamme d’Amour de Watteau ou l’Amour Victorieux du Caravage, je cherche à en proposer une lecture actuelle et personnelle.  Vernissage le 11 avril à 16h.

Teintée aux couleurs de l’Italie, pays invité, la Biennale d’Aix 2026 présentera plus de 100 propositions culturelles. Pour l’édition 2026, la Biennale d’Aix revient avec une touche transalpine qui s’ouvre à nouveau à la ville et se déploie dans ses espaces publics, jardins, lieux culturels, chapelles, centres sociaux, universités… Dès le week-end d’ouverture des 11 et 12 avril, laissez-vous surprendre par le Collectif XY : une cinquantaine d’acrobates et musiciens s’empareront du cours Mirabeau pour un spectacle vivant et gratuit, mêlant prouesses acrobatiques et sonorités méditerranéennes. Le ton est donné ! Tout au long de l’année, la Biennale investit les jardins, chapelles, musées et espaces publics de la ville pour un programme pluridisciplinaire : expositions d’art contemporain, danse, cirque, musique italienne, bande dessinée, photographie, cinéma, arts numériques… Il y en a pour tous les goûts et tous les âges.

L’exposition propose de décrypter la capacité exceptionnelle de l’artiste à créer des images iconiques et à faire entrer durablement ses modèles dans la mémoire collective. À la fin du XIXe siècle, Paris connaît l’âge d’or de l’affiche artistique, porté par les avancées techniques, en particulier l’essor de la lithographie et des procédés d’impression en couleurs. L’affiche devient un champ progressivement investi par des artistes comme Toulouse-Lautrec qui en fait un terrain d’expérimentations et d’innovations stylistiques inédites. Peintre de figures au regard profondément humain, Toulouse- Lautrec a su saisir avec une grande liberté l’essence de ses contemporains. À travers près d’une centaine d’œuvres, l’exposition de Caumont-Centre d’Art s’attardera à révéler les moyens mis en œuvre qui expliquent non seulement l’originalité et le succès des œuvres de Toulouse-Lautrec, mais aussi et surtout leur prodigieuse pérennité. Ainsi, en mettant en scène les célébrités de son temps, en les associant à des symboles et des attributs reconnaissables immédiatement, Toulouse- Lautrec contribue à leur renommée et crée des images fortes qui traversent les années et les élèvent au rang d’icônes. Des célébrités éphémères aux figures intemporelles, il fabrique ces vedettes et réussit à fixer les gloires contemporaines en les transformant en symboles du Paris fin-de-siècle. Portée par une scénographie flamboyante, l’exposition vous invite à vous immerger dans l’atmosphère de la bohème montmartroise tout en mettant en lumière les deux médiums de prédilection de l’artiste que sont la lithographie et la peinture. En s’appuyant sur la richesse de collections privées inédites et de grandes institutions muséales telles que le musée Toulouse-Lautrec, le musée d’Orsay et le musée Carnavalet, l’exposition explore aussi bien les tableaux de plein air, intimes et sensibles, que les affiches emblématiques consacrées aux grandes figures du spectacle de la Belle Époque, telles que La Goulue, Aristide Bruant ou Jane Avril, et celles réalisées pour la presse, l’édition et à des fins publicitaires. Elle aborde également la question du théâtre, notamment à travers la figure du spectateur voyeur, mais aussi celle de la prostitution, centrale chez l’artiste pour comprendre le regard bienveillant qu’il portait sur ses contemporains. L’exposition offrira ainsi l’occasion de découvrir comment Toulouse-Lautrec a su, mieux que quiconque, capter l’essence du Paris de la Belle Époque et du monde du spectacle et abordera aussi ses liens avec ses contemporains comme Pierre Bonnard, avec qui il cultive un intérêt commun pour le japonisme. Cette exposition est réalisée en collaboration avec le Musée Toulouse-Lautrec. Visite commentée tous les jours à 17h15. Durée : 1h15.

Par des postures inspirées du yoga, placées dans des lieux ordinaires, le projet interroge la condition humaine, sa relation au bâti, à la nature et sa manière d’habiter le monde. Entre perturbation du quotidien et moments de fusion avec l’environnement, les images, construites dans une lumière crue et un environnement visuel épuré, explorent à la fois la fragilité et la capacité d’adaptation de l’être humain. // Sylvie Fraissard, photographe auteure // Son parcours professionnel conjugue création artistique, engagement social et travail de commande. Il se déploie à la croisée de plusieurs approches – artistique, documentaire, sociologique et publicitaire – pour interroger la représentation, l’identité et la mémoire collective. Une partie du travail s’articule autour d’une démarche d’auteure où l’attention portée à l’autre, aux relations humaines et au corps occupe une place centrale. Autant de vecteurs de transformation et de réflexion sur notre rapport au monde.

Ce qui demeure lorsque tout s’efface. Une exploration de la lumière, du silence et de la matière. Des images où le visible devient sensation. Ici, la lumière ne décrit pas — elle révèle. Le sujet devient architecture, la matière devient langage, le silence devient tension. Entre mémoire et présence, Essentia interroge l’essentiel : ce qui demeure lorsque tout superflu disparaît. Vernissage le 25 avril de 18h à 20h, en présence des artistes .

Cette animation devrait accueillir des centaines de personnes intéressées par tous les genres de musiques. Plus de 100 000 disques vinyle et C.D., affiches, D.V.D., magazines, tout ce qui se rapporte aux artistes, des articles d'une belle diversité et en excellent état, seront proposés par des disquaires professionnels. Les acheteurs trouvent à la fois de la marchandise la plus diverse, et surtout de bonne qualité. Il y en a pour tous les goûts, tous les genres, toutes les époques, des plus connus aux introuvables. Genres musicaux : Rock, Jazz, Blues, Country, Soul, Pop, Rap, Funky, etc. Variétés françaises et étrangères, Folklore, documents sonores, affiches, bandes dessinées, musiques de films, etc...Tous les genres, toutes les époques !

La Galerie présente les nouveautés du printemps, des tableaux d'artistes aixois et provençaux, parmi lesquels Louise Germain, Joseph et Paul Ravaisou, Marcel Arnaud, Louis Gautier, Louis Mathieu Verdilhan, Barthélémy Niollon, Vincent Courdouan, Gabriel Laurin, Jaume Guiran, Francis Tailleux...

Exposition d'artistes aixois et provençaux du 19e et 20e siècles, parmi lesquels Joseph et Paul Ravaisou, Louise Germain, Barthélémy Niollon, Louis Gautier, Vincent Courdouan, Emile Giraud, Marcel Arnaud, Francis Tailleux, Gabriel Laurin...

«  Il me faut du temps pour aborder un sujet. Quand il s’impose, je le décline d’une toile à l’autre dans des espaces, des surfaces, des chromatiques différentes de manière à ce que le sujet soit modifié par elles et réciproquement. Je les nomme suites. Les cinq premières de cette exposition ont pour genèse et dénominateur commun une forme géométrique (le carré ou le cercle). Elles sont nées de la nécessité picturale du moment. Ces formes ont imposé les sujets à savoir le canal et ses portes, les chaises et leurs assises, les livres et leurs angles, les maisons et leurs toitures triangulaires, la jarre et ses lèvres rondes. Les quatre autres sont liées à notre histoire de l’art. Elles sont la reprise de tableaux de grands maîtres, peints avec les outils d’aujourd’hui à savoir ceux d’une certaine abstraction : Madame de Valpinçon, d’après la baigneuse d’Ingres, L’homme penché d’après le Christ à la colonne de Caravage, à Rembrandt d’après ses autoportraits et la nappe de Paul d’après des natures mortes de Cezanne. Deux approches différenciées pour suivre et poursuivre le temps de peindre. » — Jean-Pierre Schneider

À travers une œuvre profondément sensible à la matière et à la couleur, Élisabeth Serre développe une recherche picturale inspirée par les transformations des éléments et certains savoir-faire ancestraux, comme la terre vernissée ou le verre soufflé vénitien. Ses peintures jouent sur la vibration des couleurs, la transparence, les reliefs et les tensions organiques. Chaque œuvre semble traversée par une énergie intérieure, entre puissance minérale et délicatesse lumineuse. Le parcours singulier de l’artiste — entre danse, théâtre, création textile et arts plastiques — nourrit une approche intuitive du geste et de la composition, où le corps et la sensation occupent une place essentielle. À travers cette nouvelle exposition, Galerie nea est heureuse de présenter une artiste dont le travail résonne avec une approche sensible et contemporaine de la matière picturale.

Installé à Bouc-Bel-Air, l’artiste développe depuis de nombreuses années une œuvre abstraite en taille directe, principalement autour du marbre, de la pierre et du rapport sensible à la matière. Bernard Varvat a présenté son travail dans de nombreuses expositions personnelles et collectives, en Provence comme à Paris, et a notamment exposé à Aix-en-Provence, Bouc-Bel-Air, Trets, Marseille et dans plusieurs salons d’art contemporains. Sociétaire et administrateur de la Société Nationale des Beaux-Arts, il est également engagé de longue date dans les réseaux professionnels de la sculpture. Avec Pierres et Marbres, le Studio du Faubourg invite le public à découvrir un univers sculptural où la force minérale rencontre l’abstraction. Les œuvres de Bernard Varvat, façonnées dans la densité du marbre, ouvrent un espace de contemplation et d’interprétation, laissant à chacun la liberté de projeter son propre regard sur les formes.

Reconnaissable à ses personnages sensibles et sa palette singulière, l’artiste développe un street art figuratif et poétique, explorant l’enfance, l’intime et l’émotion. À travers œuvres sur toile et interventions murales, Mathieu_1976 construit un univers où se mêlent fragilité, mémoire et spiritualité contemporaine. Puisant dans l’esthétique du street art tout en s’éloignant des codes les plus bruts du graffiti, l’artiste développe une œuvre plus introspective, oscillant entre puissance urbaine et délicatesse émotionnelle. Ses personnages, souvent représentés dans des postures suspendues ou contemplatives, deviennent les témoins silencieux de nos fragilités contemporaines. Cette exposition rassemble une sélection d’œuvres inédites autour de ses thématiques emblématiques : l’enfance, l’éphémère, la nostalgie, la résilience et la poésie urbaine. Vernissage le vendredi 29 mai, à partir de 19hn en présence de l'artiste.

Cette exposition immersive invite à ressentir le monde avec intensité. À travers peintures, textes et sons, chaque œuvre traduit des émotions brutes et sensibles. Entre fragilité et force intérieure, le parcours met en lumière l’hypersensibilité comme une richesse, où les sens deviennent un véritable langage et l’art, un chemin de résilience. Cette exposition est avant tout une invitation à entrer dans le monde des hypersensibles. Une expérience sensible, immersive et profondément humaine, où l’exacerbation des sens devient un langage à part entière.

Elle explore la nature humaine avec des touches d'extravagance et d'humour ainsi qu'avec une émotion et une liberté de ton très personnelles. A l'occasion de cette exposition vente elle présentera notamment sa toute dernière collection "Aquatik Time": une immersion dans un été sans fin, une parenthèse de joie et de liberté absolue. Une célébration de la nonchalance et de l'insouciance. Participation à la nuit des galeries le 2 juillet 2026.

Fanfare Culture présente, le temps d'un été, l'œuvre de Djémâa Benamor à l'Hôtel Escaletto. Artiste plasticienne installée en Provence, elle inscrit sa peinture dans le sillage de l'abstraction lyrique et de l'expressionnisme contemporain, où le geste, la matière et la couleur composent un langage à la fois sensible et radical. L'exposition réunit un ensemble représentatif de ses séries récentes : les Bitumes, où l'ocre, le pastel et la matière brute façonnent des paysages intérieurs aux textures profondes ; les Calligraphies, dialogue entre trace et silence sur toiles bitumées ; les Toiles Carrées, plus graphiques, qui jouent sur la tension entre forme, couleur et équilibre ; et une sélection de Gravures à l'encre, plus intimes, qui prolongent son vocabulaire pictural. Le parcours de Djémâa Benamor est jalonné de reconnaissances marquantes. Lauréate du Prix Félix Fénéon, décerné par la Chancellerie des universités de Paris à la Sorbonne — distinction qui a accompagné, depuis 1949, l'émergence d'artistes tels que Paul Rebeyrolle ou Louis Derbré —, elle a également été distinguée par la Fondation de la Vocation. Son travail a été présenté dans des lieux d'exposition à New York, Paris, Lyon, en Allemagne, en Italie et en Espagne, prolongeant à l'international une démarche profondément ancrée en Provence. En 2025, l'ouverture de son propre atelier-galerie venait consolider une trajectoire d'artiste désormais pleinement affirmée. C'est cette voix singulière — exigeante, contemplative, profondément habitée — que l'Hôtel Escaletto invite à découvrir au cœur de l'été aixois.

Dans cette série inédite et peu connue, Buffile utilise différentes techniques, l’encre, la mine de plomb, le stylo Bic, le feutre et la gouache. Il s’agit de dessins étranges, mystérieux et parfois surréalistes. Le spectateur plonge dans un univers animal, végétal et minéral. Ces travaux de dimensions différentes, en noir ou en couleurs, sont inspirés par des créatures fantastiques et mythologiques, la Tarasque et les paysages de la Provence.

En juin, La Galerie Miniature plonge dans La Méditerranée, le Sud et ses infinies variations de bleu ! C'est d'abord Véronique Esterni qui, grâce à sa photographie poétique et documentaire, donne à voir le quotidien sur les rives de l'étang de Berre, aussi aimé que malmené. Puis Corinne Pirault, qui décline à l'envi, coraux et monde marin, tout comme les aquarelles de Krisez nous invitent à plonger dans les calanques ou au large du Mucem. Annie Vandemalle préfère quant à elle les paysages plus imaginaires et symboliques réalisés aux pastels à l'huile, quand Serendipity Liche, grâce à ses sculptures d'os, bois et coraux, alerte les spectateurs sur les enjeux environnementaux et sociétaux, tout comme Jean-Marie Jénot dans ses tableaux surréalistes peuplés de Diaphanes. A leurs côtés, ne manquez pas les dessins de Caroline Ortega, Anouk Rugueu et Maï, ou encore le bestiaire jeunesse de Bhéatrice Chanard. Enfin, Didier Gianella et Emmanuelle de Rosa, fondateurs de La Galerie Miniature, exposent leurs collages, assemblages et détournements. Bonus : La Galerie Miniature reste le Kiosque de BD-Aix même après le festival ! Retrouvez la collection des journaux graphiques des Rencontres du 9e art, ainsi que plusieurs numéros collector du fanzine finlandais Kuti. Découvrez également les curiosités sonores du label marseillais Cœur sur toi, nouveau venu à la galerie. Rendez-vous pour un "presque vernissage" samedi 6 juin de 18h à 20h en présence de plusieurs des artistes exposants : Caroline Ortega, Véronique Esterni, Annie Vandemalle, Emmanuelle de Rosa et Didier Gianella.

Dans les magnifiques jardins du Pavillon de Vendôme, LEHAÏM vous invite à un voyage vibrant au cœur des cultures juives méditerranéennes. Trois temps forts pour explorer, goûter, écouter et partager, dans une atmosphère festive et chaleureuse, où les cultures se rencontrent et se racontent en célébrant le vivre ensemble... en célébrant, la joie, la culture la vie (LEHAIM = à la vie) Le 4 juin, Dîner cabaret oriental. Une soirée immersive, sensorielle et joyeuse, entre gastronomie, musique et humour, pour lancer le festival comme un véritable voyage : une véritable traversée méditerranéenne entre Alger, Istanbul, Tunis ou Salonique • Dîner généreux signé par le restaurant aixois Tita (K), entre saveurs sépharades, levantines et maghrébines • Musique live et ambiance cabaret avec le spectacle L’OrienBal avec TransMosaïk • Stand-up avec Rosa Bursztein et Salima Passion Le 7 juin De 11h à 18h, Journée familiale (entrée libre). Flânez librement entre ateliers artistiques, conférences et expériences : Une journée à vivre à son rythme, entre découvertes culturelles, expériences sensorielles et moments de partage : • Animations enfants, contes, jeux, maquillage,.. • Initiation au ladino, percussions, danse orientale, pâtisseries traditionnelles • Ateliers créatifs : calligraphie, mosaïque, tarot, henné… • Conférences et rencontres (Benjamin Stora, Cléo Cohen…) • Exposition immersive et tente de la mémoire : récits, archives et témoignages • Espaces conviviaux : librairie, coin épices, cérémonie du thé, jeux méditerranéens A 19h, Concert de clôture (entrée libre) Un final vibrant et poétique pour célébrer la diversité des cultures et le plaisir d’être ensemble • Première partie : un voyage émouvant dans les chants ladino • Seconde partie : JazzPora, entre jazz et influences méditerranéennes Une soirée à ciel ouvert dans les jardins

Pour cette dernière édition de l’apéro globe-trotter pour l’année scolaire 2025-2026, nos deux volontaires écologiques franco-allemands nous présenteront leur ville d’orgine, situées dans deux Land différents. Hambourg ou Giessen – à vous de choisir. Vous en apprendrez plus sur ces deux villes très différentes. Gießen est une ville universitaire d’Allemagne dans le centre de la Hessen, située sur le Lahn et comptant en 2020 94146 habitants pour 27 927 étudiants, mêlant maisons à colombages et bâtiments universitaires contemporains. Le centre associe rues commerçantes, parcs et chemins riverains qui invitent à la promenade. Une ville jeune et dynamique avec de nombreux atouts que vous allez découvrir. Hambourg, ville jumelle de Marseille est située près de l’embouchure de l’Elbe, à proximité de la mer du Nord. C’est la deuxième ville d’Allemagne (après Berlin) et le premier port du pays. C’est également une ville très touristique, ce qu’elle doit notamment à son architecture, à son réseau de canaux et aux abords luxuriants de l’Alster, rivière formant un lac artificiel au cœur de la ville. Elle dispose de très nombreux théâtres et musées, notamment la célèbre Kunstahlle ou le récent « Bucerius Kunst Forum », qui accueille des expositions temporaires. Partez à la découverte de ces deux villes passionnantes. Participez à un quizz, découvrez des spécialités culinaires.

La Maison Pellegrin présente à Aix-en-Provence l’exposition « De la matière à la lumière », une immersion sensible dans l’univers de la haute joaillerie et de la création contemporaine. Pensée autour du dialogue entre matière, lumière, artisanat et émotion, l’exposition met en scène des pièces joaillières exceptionnelles de la Maison Pellegrin aux côtés des œuvres des artistes Morgane Baroghel-Crucq et Laurentine Périlhou. À travers une scénographie immersive, bijoux, textures, gestes et matières se répondent dans un parcours mêlant savoir-faire, création et transmission.

Pendant trois jours, du 5 au 7 juin 2026 (La journée du vendredi 5 juin est dédiée aux scolaires.), à l’occasion des Rendez-vous aux jardins, venez découvrir des jardins, ouverts parfois à titre exceptionnel et participer aux animations mises en place : ateliers pédagogiques, démonstrations, expositions, promenades musicales, conférences, spectacles, etc. Pendant le week-end, des jardiniers, propriétaires, paysagistes, botanistes ou encore animateurs seront mobilisés pour échanger avec tous les publics.

Plus de 26 000 visiteurs sont attendus pour découvrir les créations des 250 exposants. Cette édition, placée sous le thème « 1, 2, 3… Style & Match ! », célèbre l’audace et le jeu des associations, où matières, styles et couleurs se rencontrent pour composer un art de vivre libre et créatif. Talents émergents, savoir-faire artisanaux, nouvelles signatures et expériences immersives rythment ce rendez-vous incontournable dédié à la décoration, au design, à l’artisanat et aux saveurs du Sud.

L’après-midi invite petits et grands à s’amuser autour de la «pizz » avec des épreuves ludiques et originales: concours de crachat de noyau, chamboule-pizz, course en slalom… Une exposition et, selon les possibilités, une démonstration des fours conçus lors des ateliers en amont viendront compléter cette ambiance joyeuse. La journée se clôturera en soirée par un banquet participatif autour de la cuisine italienne, réunissant habitants, familles du quartier et tous les publics pour un moment convivial de partage et de découverte culinaire Déroulé : De 15h à 18h : Les Jeux Olympizz A partir de 18h30 : Banquet « A Tavola !» Les ateliers préparatoires de création de décors ont lieu les mar. 19 mai et mar. 26 mai de 17h15 à 18h30 à la Bibliothèque Paul Cezanne. Derrière « Bon Pizz », il y a Jacques Huygevelde, comédien et artisan ; et Sarah Jézéquel, diplômée aide médico-psychologique. Ils proposent ces ateliers un peu partout en France depuis 3 ans. Programmation du Relais des Possibles en collaboration avec « Bon Pizz » avec le soutien avec le soutien de la Biennale d'Aix, Métropole, Conseil départemental 13

Conçue comme une exposition performative, chorégraphique et musicale, DREAM se déroule sur cinq heures et tend à faire oublier la notion même de temps pour mieux transporter vers une autre dimension. Le public est invité à visiter l'espace aussi longtemps qu'il le souhaite, comme s'il déambulait dans un musée. Il peut circuler librement parmi les performeurs. Les éclairages et la musique jouée en direct par le pianiste, traversant un large répertoire de Bach à John Cage en passant par Beethoven, constituent le cadre dramaturgique et esthétique qui génère et modifie l'état des interprètes. DREAM est un dyptique composé de la performance et d’un roman dans lequel Alessandro Sciarroni imagine une humanité sereine qui accepte d’abandonner son règne sur la nature. Le public est libre de circuler dans l'espace, d'entrer et de sortir à sa guise. Vous pouvez arriver dans l’Église de la Madeleine à tout moment et assister au spectacle aussi longtemps que vous le souhaitez. Selon l'affluence, il se peut que vous deviez patienter avant de pouvoir entrer. Dernière entrée possible à 20h. Biographie Formé aux arts plastiques et fort d’une longue expérience de performeur, Alessandro Sciarroni crée ses propres pièces chorégraphiques depuis 2007. Ses œuvres, denses et singulières, reposent sur une réflexion conceptuelle tout en prenant une forme très physique et organique, souvent poussée jusqu’aux limites de l’endurance des interprètes. D’une grande rigueur, elles laissent pourtant place à une réelle liberté de pensée et de mouvement. Sciarroni travaille avec des artistes de disciplines variées, mêlant danse, cirque et sport. À travers la répétition intense d’une même pratique, il explore les obsessions, les peurs et la fragilité de l’acte performatif, cherchant à créer une relation empathique entre le public et les interprètes. Son travail a été présenté dans de nombreux festivals et institutions à travers le monde, dont le festival Crossing the Line à New York, la Biennale de Venise ou le Festival d’Automne. Il a exposé au Centre Pompidou, au Walker Art Center et au MAXXI de Rome. Lauréat du Lion d’or en 2019, il est artiste associé du au Marche Teatro à Ancone. Distribution : Création Alessandro Sciarroni Cast à la première Marta Ciappina, Matteo Ramponi, Elena Giannotti, Valerio Sirna, Edoardo Mozzanega, Pere Jou Cast en tournèe en alternance– Marta Ciappina, Circé Poyet, Elena Giannotti, Valerio Sirna, Edoardo Mozzanega, Maxime Guillon Roi Sans Sac, Pere Jou, Michele Ermini pianiste Davide Finotti dramaturge Salvo Lombardo sonorisation Aurora Bauzà et Pere Jou costumes Ettore Lombardi design sonore et régie son Valeria Foti Programmation du 3 bis f Centre d’arts contemporains à Aix en Provence avec Parallèle, Pratiques artistiques émergentes internationales, à Marseille. Crédit photo : Dream _ (c) Mayra Wallraff - Tanz im August

Sa famille, son enfance, son parcours scolaire et ses loisirs seront évoqués. Vous pourrez, toujours à travers des cadres, parcourir son oeuvre : du Jas de Bouffan à l’atelier des Lauves en passant par la montagne Sainte Victoire. Le tout dans un environnement fait pour recevoir de belle exposition avec son nouvel éclairage : La Bastide du Parc Jourdan.

A l'occasion de sa nouvelle exposition, La Galerie Miniature organise son presque vernissage mensuel samedi 6 juin dès 18h. L'occasion de rencontrer une partie des artistes exposants : Caroline Ortega, Véronique Esterni, Annie Vandemalle, Emmanuelle de Rosa et Didier Gianella, mais aussi de découvrir cette galerie associative et alternative unique à Aix-en-Provence, ainsi que les travaux des autres artistes : Anouk Rugueu, Jean-Marie Jénot, Bhéatrice Chanard, Maï, Serendipity Liche, Krisez, Jacqueline Reynier, Jean-Marie Jénot et Corinne Pirault.

L'amour a une histoire. Au XIIème siècle, en pays occitan ( puis plus largement), des troubadours, des chanteurs, des poètes, des romanciers inventent de nouveaux possibles dans les relations entre les hommes et les femmes. Ils inventent l'amour en Occident : une révolution des mœurs où tout change, la place de la femme, de l'homme, leurs sentiments, leurs désirs. Cela se lit dans leurs textes mais s’entend aussi dans leur musique. Quelques exemples l’illustreront.

Accabadora (la dernière mère) est une création mondiale de Francesco Fildéi d'après le roman de Michela Murcia mis en scène par l'argentine Valentina Carrasco. Cet opéra de chambre chanté en italien et en sarde nous emmène en 1950 dans un village de Sardaigne pétri de traditions, où Maria, la petite dernière d'une famille trop nombreuse est adoptée par la accabaora, qui tisse le fil de la vie le jour, mais la nuit ?

À partir du IIIe siècle de notre ère, le repli de l’habitat autour des principaux monuments antiques de la ville d’Aix dessine les prémices de la cité tripartite du haut Moyen Âge. A la fin du Moyen Âge, Aix se redessine à l’abri d’une nouvelle ligne de fortification collective. C’est cette histoire urbaine complexe qui, entre le XIe et le XVe siècle, transforme radicalement le profil de la cité que se propose de raconter la Directrice par intérim de la Direction Archéologie et Muséum.

LAH présente REVERS(E), une collection singulière où chaque œuvre révèle une Face A et une Face B. Tournez l’œuvre selon son état — le visiteur devient co-créateur. Le vernissage se tient le 10 Juin 2026 à 18h au cœur d’Aix-en-Provence, dans l’espace Côté Sud - AXO Prestige & Patrimoine, en haut du cours Mirabeau. Une soirée de découverte autour des œuvres originales, toutes disponibles à l’acquisition, accompagnée d’une dégustation exclusive avec les vignerons partenaires Château Revelette et Domaine de la Réaltière. Co-événement soutenu par Françoise Cauwel, fondatrice de La Fanfare Culture et directrice du Lion’s Club d’Aix-en-Provence.

Cette conférence mettra quelque peu en parallèle l’activité artistique et littéraire provençale tout au long de la vie de Paul Cezanne et les relations que celui-ci put avoir avec ses principaux acteurs aixois. À cette époque, dominée par la personnalité du félibre Jean-Baptiste Gaut, la notion d’action régionaliste n’est pas perçue comme on pourrait la comprendre aujourd’hui. Il existait une provençalité active, une volonté et des actes tendant à mettre en exergue une vie intellectuelle régionale. La culture provençale faisait partie intégrante de la vie de la cité. Les faits recensés étaient accomplis tout à fait naturellement au sein de la société avec de logiques attitudes qui s’inscrivaient dans l’esprit et convergeaient vers les objectifs de la renaissance provençale du 19e siècle conduite par Frédéric Mistral. Autant de réalités que démontrera Jacques Mouttet, président de l’Escolo de Lar, auteur d’un ouvrage de 892 pages intitulé : Paroles de Capoulié, publié aux éditions du Félibrige.

Avec petit film, sans (presque) le savoir, Louis Lumière a participé à l'invention d'un nouveau langage et condensé dans ce plan fixe tous les genres cinématographiques, depuis le film d'épouvante jusqu'au film philosophique en passant par le documentaire et l'enquête policière. Au cours de la conférence, j'en appellerai aussi à la participation du public car, on le sait depuis longtemps, l'art est dans l'oeil du spectateur et la "vérité" est collective !

Ces travaux visent à mieux comprendre les modes de vie des anciennes populations de cette région aride, périodiquement soumise à des aléas climatiques tels que le phénomène El Niño. Ces photographies invitent le visiteur à suivre une mission archéologique et à découvrir le travail des chercheurs sur le terrain comme en laboratoire. Leur objectif est de mieux comprendre les processus d’adaptation et d’acclimatation des humains et des animaux sur la côte désertique péruvienne à l’époque préhispanique. Elles offrent également un aperçu des différentes étapes de la recherche, depuis les fouilles archéologiques jusqu’aux analyses scientifiques, en mettant en lumière la diversité des spécialités mobilisées.

Formée au costume et au design vêtement, elle explore les frontières entre art et mode, questionnant le corps de la femme dans toutes ses approches et ses mutations, par le prisme de l’histoire de l’art, de la mythologie et du sacré. Ses sculptures de fils noirs, à la fois baroques, silencieuses, poétiques tissent des liens entre design, artisanat, mode, art et science. Cette exposition-parcours va donner à voir les différentes approches de l’œuvre de Jeanne Vicerial, avec le prêt de collections privées et publiques ainsi que des œuvres créées par l’artiste spécifiquement pour cette exposition. Commissaire d’exposition, Christel Pélissier-Roy. Cette exposition est réalisée en étroite collaboration avec l’artiste et la galerie Templon. Biographie : Née en 1991, Jeanne Vicerial vit et travaille à Paris. Après des études de costumière puis un Master en Design vêtement à l’École des Arts Décoratifs de Paris en 2015, elle devient en 2019 titulaire d’un doctorat SACRe (Sciences, Arts, Création, Recherche), la première en France. Elle approfondit cette recherche en questionnant la dichotomie prêt-à-porter/sur-mesure et s’engage parallèlement dans une démarche artistique qui la pousse à fonder le studio de recherche et de création Clinique vestimentaire. Au-delà de ses créations personnelles, elle initie de nombreuses collaborations avec des artistes d’horizons divers. Ses oeuvres ont notamment été exposées au Palais de Tokyo à Paris (2018) à Rome (Villa Médicis et Palais Farnèse, 2020), à la Collection Lambert en Avignon (2021), aux Magasins Généraux à Pantin (2021), à la Basilique Saint-Denis (2022) et ont récemment intégré la collection du Cnap (Centre national des arts plastiques) et du FRAC Auvergne.En 2022, elle a signé les costumes d’Atys, la tragédie lyrique de Jean-Baptiste Lully inspirée des Métamorphoses d’Ovide mise en scène par Angelin Preljocaj et montrée pour la première fois en France à l’Opera royal de Versailles. En 2023, Jeanne Vicerial a réalisé les costumes de « Figures » par Dalila Belaza au Théâtre de la Cité internationale. Crédit photo : © Joseph Schiano di Lombo

Le dialogue avec les grandes maisons du Made in Italy constitue l’un des axes structurants de cette œuvre. Ces collaborations ont contribué à forger une image du style italien fondée sur la retenue, la sensualité et la densité symbolique, largement diffusée et assimilée au niveau mondial. Son œuvre se déploie dans un espace liminaire où l’image cesse d’être un simple vecteur de représentation pour devenir un dispositif culturel à part entière, capable de condenser et de restituer les tensions esthétiques et symboliques de son temps, au changement du siècle. Le photographe travaillant avec l’argentique occupe une position singulière dans le champ de la création : il agit comme un agent de révélation du sacré. Le hasard devient composant. L’erreur devient caractère. Le visible devient mémoire d’un instant unique. Intitulé La mode italienne de Marino Parisotto, cet hommage met en lumière la dimension fondamentalement dialectique de l’œuvre : une esthétique fondée sur la coexistence des contraires, où la beauté se nourrit de tension, d’ambiguïté et d’inquiétude. Les images ne maintiennent un état de suspension, un équilibre instable qui en renforce la charge poétique devenant un outil de construction culturelle autant qu’un vecteur d’émotion. L’univers de l’artiste Né au Canada de parents italiens et élevé en Italie, Marino Parisotto s’oriente très tôt vers la direction artistique et la photographie de mode. Reconnu pour son travail en noir et blanc, il collabore avec de grandes maisons comme Givenchy, Armani, La Perla ou Wolford, développant un univers cinématographique, sensuel et parfois transgressif. Son œuvre participe à la diffusion d’une image du style italien mêlant sobriété, sensualité et richesse symbolique. Travaillant en argentique, il transforme la photographie en véritable objet culturel et poétique, où l’erreur, la matière et l’instant deviennent essentiels. L’exposition La mode italienne de Marino Parisotto met en lumière une esthétique fondée sur les contrastes et la tension entre les opposés, donnant à ses images une forte dimension émotionnelle et symbolique. Sa vision de la femme Certaines œuvres de Marino Parisotto présentent la femme comme une figure souveraine et presque « divine », dont la présence dépasse toute tentative d’appropriation du regard. Le texte souligne le paradoxe contemporain du corps féminin, à la fois surexposé dans les logiques commerciales et censuré lorsqu’il affirme son autonomie. Dans les séries Black & White Angels et Sky over New York, les femmes photographiées apparaissent libres, fières et conscientes de leur pouvoir. Leurs postures et leurs regards instaurent une distance avec le spectateur : loin de se soumettre au regard, elles l’imposent et le dominent silencieusement. Sa photographie Pour Marino Parisotto, la photographie argentique repose sur un équilibre entre maîtrise et imprévu. Contrairement aux filtres numériques qui uniformisent et corrigent les images, la photographie classique implique des choix définitifs et laisse une place essentielle au hasard, à la lumière et aux réactions chimiques. Cette part d’imprévisibilité donne à l’image une authenticité que le numérique peine à reproduire. La photographie n’est jamais totalement objective ni totalement contrôlable : elle résulte d’une interaction entre l’intention du photographe et les contraintes matérielles du processus. Marino Parisotto travaillait précisément dans cette logique, laissant l’image se construire entre intuition, technique et hasard, ce qui confère à ses œuvres leur singularité et leur « âme ». L’exposition présente également une partie explicative du processus créatif, de la conception au tournage, du grand photographe disparu en 2022. Des rencontres avec des experts de la mode sont également organisées. A noter le 13 juin à 17h, conférence en présence de : Mr Thierry Teissier, historien de la mode Mme Simona Amelotti, curatrice et professionnelle de la communication Mr Heinz Mal, journaliste et influenceur mode La mode italienne de Marino Parisotto Curation : Florence Verrier et Simona Amelotti Remerciements : Remerciements Archivio Marino Parisotto, Galerie Parallax en partenariat avec MetaCritikOpera, la Ville d’Aix-en-Provence, la Biennale d’Aix, La Manufacture, The Camp, Olympic location, Graphic Design Les intervenants : Lorella Zocca, Luca Marchetti, Thierry Tessier, Sofia Parisotto Une programmation de la galerie Parallax en partenariat avec MetaCritikOpera Mécène de la Biennale d'Aix, la Fondation Crédit Agricole Alpes Provence, accompagne cet événement culturel majeur depuis sa création en 2022.

Marino Parisotto s’impose comme l’une des figures les plus éminentes et visionnaires de la photographie de mode des années quatre-vingt-dix et du premier décade du XXIᵉ siècle. Le dialogue avec les grandes maisons du Made in Italy constitue l’un des axes structurants de cette œuvre. Ces collaborations ont contribué à forger une image du style italien fondée sur la retenue, la sensualité et la densité symbolique, largement diffusée et assimilée au niveau mondial. Son œuvre se déploie dans un espace liminaire où l’image cesse d’être un simple vecteur de représentation pour devenir un dispositif culturel à part entière, capable de condenser et de restituer les tensions esthétiques et symboliques de son temps, au changement du siècle. Le photographe travaillant avec l’argentique occupe une position singulière dans le champ de la création : il agit comme un agent de révélation du sacré. Le hasard devient composant. L’erreur devient caractère. Le visible devient mémoire d’un instant unique. Intitulé La mode Italienne de Marino Parisotto cet hommage met en lumière la dimension fondamentalement dialectique de l’œuvre : une esthétique fondée sur la coexistence des contraires, où la beauté se nourrit de tension, d’ambiguïté et d’inquiétude. Les images ne maintiennent un état de suspension, un équilibre instable qui en renforce la charge poétique devenant un outil de construction culturelle autant qu’un vecteur d’émotion.

A partir de sensations colorées, puis de superpositions, de transparences des mondes vont apparaître et disparaître à la fois..

Barbara SATRE, Directrice de l’Ecole Supérieure d’Art d’Aix-en-Provence, pose la question : De quoi la Sainte Victoire est-elle l’image depuis que Cézanne l’a peinte ? Si Paul Cezanne incarne la modernité en peinture alors la Sainte Victoire est certainement le motif par excellence. Nous verrons comment la pratique du « vif » est un enjeu du développement de la recherche du peintre et comment cette appropriation cézannienne de la montagne d’Aix a été un fil conducteur déterminant pour bien des artistes après lui.

Si le nom de Méjanes rayonne bien au-delà de la Provence, c'est davantage pour la bibliothèque que pour l'homme qui l’a léguée, Jean-Baptiste Marie de Piquet, marquis de Méjanes. Grâce à des archives inédites, la figure d'un homme singulier se dévoile : attentif à ses proches comme au bien public, soucieux des richesses de son pays, notamment l'agriculture, amateur de théologie hétérodoxe ou encore père de l'Académie d'Aix. Bref, un homme à découvrir.

Imaginons ensemble la vie d'Hiérôme Duranti, conseiller du roi, qui fit de cette propriété un lieu de villégiature idéal. Dès l’entrée, l'imposant quadrilatère à deux étages, avec ses tours majestueuses, sa cour d'honneur et sa porte en pierre de Rognes ornée du blason familial, captivera vos yeux et éveillera votre curiosité. Poussons les portes de ce domaine pour explorer ses somptueux intérieurs. L'escalier d'honneur, classé monument historique, est l'un des plus remarquables du pays d'Aix, avec ses gypseries exceptionnelles réalisées par l'artisan aixois Jean Gourret. Chaque détail, chaque motif sculpté dans le plâtre, raconte une histoire : des scènes pastorales aux blasons familiaux, en passant par des paysages provençaux illustrés avec une finesse inégalée. Vous n’êtes pas au bout de vos surprises. Le salon des Tapisseries vous séduira avec ses papiers peints panoramiques de 1804, intitulés « Les Jardins de Bagatelle », parmi les plus anciens exemplaires en France. D'autres trésors vous attendent au fil des salles de la bâtisse, lors de cette visite guidée par Mylène, guide-conférencière de Secrets d’ici. Chaque recoin du château respire la richesse de son passé et la passion de ceux qui l'ont préservé à travers les siècles. Ne manquez pas cette occasion unique de découvrir ce joyau caché de notre patrimoine. Une visite inoubliable vous attend ! ➜ Visite à pied / Visite non adaptée aux personnes en fauteuil roulant ➜ Langue : en français ➜ Durée : 1h30 environ ➜ Animaux interdits Réservations auprès des conseillers en séjour de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence ou sur le site de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence.

Frontières & passages est une journée de rencontre consacrée aux approches thérapeutiques et d’accompagnement. Elle réunit 7 intervenants issus de disciplines complémentaires pour explorer les frontières qui structurent l’expérience humaine : celles de l’enfance, du désir, du lien, de l’emprise et du passage à l’acte. À travers trois grands temps de conférence, les participants sont invités à croiser les regards entre analyse transactionnelle, psychopathologie, sophrologie, sexothérapie, thérapie de couple, coaching et psychocriminologie. La première conférence, “les empreintes de l’enfance”, interroge la manière dont les schémas précoces continuent d’agir dans les relations et les choix d’adultes. La deuxième conférence, “les frontières du désir”, aborde l’intimité, le lien à l’autre et ce qui se joue dans la vie sexuelle et affective. La troisième conférence, “de l’emprise au passage à l’acte”, explore les mécanismes de la manipulation et la manière dont l’emprise peut s’installer progressivement dans les relations. Cette journée laisse une place importante aux échanges avec les intervenants. Les temps de pause et le déjeuner partagé font partie intégrante de l’expérience, afin de favoriser le dialogue entre professionnels, étudiants, personnes concernées et curieux des questions humaines et relationnelles.

Pour une soirée riche en diversité culturelle, en émotions et souvenirs d’une belle année faite de partage, d’art et de culture pour tous. Danse, musique, chant, théâtre, exposition, ateliers, Bien être, … Buvette et petite restauration sur place !

Les œuvres représentent des amis se retrouvant en scènes de la vie quotidiennes. La touche de peinture virevolte et déborde du contour pour exprimer le mouvement et la vie. La couleur éclate de bonne humeur.

Nous disposons pour nous transformer, et transformer le monde, d’un pouvoir aussi considérable qu’ignoré .Nous ferions l’économie de beaucoup d’énergie, de temps, de souffrances, de frictions et de collisions d’ego si nous avions appris un peu plus tôt à nous demander : Où est ma boussole, mon axe de vie ? Qu’est-ce qui a du sens pour moi et me met en joie ? Mais aussi : Qu’est-ce qui me pèse, me peine, me fait peur ou me fout en rage et que j’ai donc besoin de comprendre avant de faire payer mon dépit aux autres ? Car, bien plus souvent que ce que nous croyons, notre rapport à l’existence dépend bien plus de nos croyances et habitudes de pensée – qui commandent nos comportements – que de nos conditions de vie réelles

L’événement, accessible à tous et gratuit, invite amateurs d’art, collectionneurs et curieux à découvrir la diversité de la création locale : peintures, sculptures, photographies, bijoux, design, etc. Retrouvez le programme ! ● IN SITU 17 : la galerie dédie cette nocturne aux artistes qui ont marqué l’histoire du lieu avec l'exposition "Traversées". Elle célèbre une continuité, celle d’un espace indépendant devenu au fil du temps un lieu vivant de rencontres et d’expérimentations artistiques. ● Galerie Miniature : rencontres avec des artistes pluridisciplinaires ● Galerie Azimut : vernissage de l’exposition de Véronique Givrot. Découvrez l’artiste Véronique Grivot dont les œuvres représentent des personnages amicaux se retrouvant en scènes joyeuses du quotidien. ● Cathy Art : exposition "Aquatik Time" de Claude W. Baumas. une immersion dans un été sans fin, une parenthèse de joie et de liberté absolue. Une célébration de la nonchalance et de l’insouciance. ● Galerie Nea : rencontrez le céramiste Vincent Schoepfer, dont les sculptures et les tableaux en bas-reliefs explorent la matière entre héritage antique et regard contemporain. ● Atelier Galerie Miriam Hartmann : exposition "Dans la colline" autour de la montagne Sainte-Victoire. L’artiste présente une sélection de dessins, d'aquarelles et de peintures réalisés entre 2018 et 2026 autour du domaine de Châteaunoir et de la montagne Sainte-Victoire. ● Galerie Jeanne Bossert : présentation d’œuvres de Jean-Pierre Blanche, dont le travail s'oriente à la fin de sa vie vers des pastels, autour du thème de la nuit. C'est dans l'Hôtel de Ramatuelle, dont la Galerie occupe le rez-de-chaussée, qu'il habita et travailla.

Cette exposition de plus de 250 clichés pris par le musicien entre 1963 et 1964, retrace une période charnière du groupe au moment où sa célébrité va dépasser les frontières de Liverpool et du Royaume-Uni, pour devenir un véritable phénomène planétaire. « A l’époque on avait pas le droit à la paresse. Il fallait prendre la bonne photo, composer soi-même l’image dans son cadre sans se dire qu’au pire on pourrait toujours la rogner après-coup ». C’est grâce à la redécouverte en 2020 dans les archives de Paul McCartney de près d’un millier de photographies prises par l’artiste avec un appareil photo de 35 mm, qu’est livré ce témoignage profondément personnel sur cette période décisive dans l’évolution du groupe. L’artiste immortalise le parcours extraordinaire des Beatles, de ville en ville, de l’Europe aux Etats-Unis : Liverpool et Londres à la fin de l’année 1963, Paris, puis les Etats-Unis en février 1964 où leur performance dans l’émission « The Ed Sulivan Show » est vue par environ 73 millions de téléspectateurs. A ce moment précis, les Beatles accèdent au statut de stars planétaires et redéfinissent la notion de célébrité à l’ère moderne, comme s’ils étaient le prototype de ce que deviendra la célébrité au cours des décennies suivantes… « L’Amérique fut sans conteste le gros lot : c’était le berceau d’une grande partie, voire de toute la musique qu’on aimait » Cette exposition de plus de 250 photographies s’étend sur 700 m² d’espace muséal et va ainsi permettre aux visiteurs de partir à la découverte de ce groupe singulier. Ces images révèlent une partie de l’intimité de ces quatre garçons de Liverpool en tournée, qui commencent à parcourir le monde et découvrent pour la première fois les Etats-Unis. Nous sommes à moins de 20 ans de la fin de la deuxième guerre mondiale, ce pays est vu par Paul McCartney - et plus largement par de nombreux européens -, comme celui qui a libéré l’Europe. Il incarne à l’époque une certaine modernité. Il fascine. Ces clichés de leur première tournée racontent l’intensité des concerts, des longues journées passées en répétition, dans les hôtels, sur la route, soumis au regard des médias à chaque étape de leur parcours. Pour ces quatre jeunes garçons déjà célèbres, tout est découverte… Les photographies de Paul McCartney nous montrent aussi des atmosphères, une esthétique propre à ces années 60 entre le Royaume-Uni, Paris et les Etats-Unis. Avec eux, les visiteurs vont (re)découvrir une société aujourd’hui disparue, au travers ici d’une lunette arrière de voiture ou d’une vitre de train, là d’un bout de trottoir devant l’Olympia à Paris où les Beatles sont programmés avec Sylvie Vartan… autant de photos souvent prises « à la volée », floues, parfois cadrées de manière plus rigoureuse. Paul McCartney aime la photographie qu’il pratique avec son frère dès l’enfance, grâce au premier appareil familial, un Kodak Brownie. L’exposition va ainsi s’articuler de façon chronologique et se composer de 8 temps forts : derrière l’objectif ; les premières années des Beatles : Liverpool et Londres ; Paris ; départs et arrivées : New York ; de New York à Washington ; Miami ; Coda (derniers jours), août – septembre 1964. Ce projet s’inscrit dans les célébrations des 200 ans de la photographie. Cette exposition fait partie de la programmation des Rencontres d’Arles dans le cadre du Grand Arles Express.

Un concert d’ouverture, une exposition de Lutherie et des concerts pédagogiques gratuits à l’attention des enfants des centres de loisirs et enfants et adultes en situation de précarité et de handicap, des répétitions publiques commentées, puis trois soirées d’exception dans le patio du Musée Granet, où nous voyagerons des bords de la Tamise à Vienne, du baroque anglais aux Beatles, côtoierons Mozart et Fauré, Haydn, Rossini, Dowland, Britten, Holst, Poulenc, Caplet ou encore Saint-Saëns et son truculent Carnaval. La virtuose et dynamique Camerata Côté Cour accueille cette année quinze artistes : Étienne de Bénazé, Ténor, Marie Laforge, flûte, Bastien Nouri, hautbois, Lauriane Maudry, clarinette, Antoine Berquet, basson, Felix Polet, cor, Laetitia Amblard et Albane Genat, violons, Oriane Pocard-Kieny, alto, Paul-Marie Kuzma, violoncelle, Sylvain Pécot, Contrebasse, Léo Doumène, harpe, Sarah Ristorcelli, piano. Avec la collaboration de Toko Furuta, Piano et Marie Pulleux, Percussions, Étudiantes à l’IESM. Pour les 3 Concerts au Musée Granet, nous avons mis en place un Pass 2 concerts au choix ou 3 concerts. Les personnes munies d’un billet ou Pass Côté Cour auront accès à la visite libre de l’Exposition "Paul McCartney Photographe 1963-64 Eyes of the Storm".

Près de 300 exposants répartis dans 4 villages : art et culture, sport et bien être, cohésion et cadre de vie, Développement durable. Egalement des démonstrations sur scène tout au long de la journée.

Le delta du Rhône s'est formé au fil du temps par les apports sédimentaire que le fleuve a déposé sur le plateau continental et gagné sur la mer. Aussi, le sol y est naturellement salé. Un équilibre environnemental naturel existait lorsque les crues du fleuve lessivaient le sol en l'inondant. L'endiguement total de la Camargue s'il a permis de protéger la Camargue des inondations a interrompu ce fonctionnement naturel. Depuis 1860, des systèmes d'irrigation dotés de pompes supléent l'inondation en parcourant l'île de la Camargue de part n part pour y apporter l'eau douce. La maîtrise des eaux douces, salées ou saumâtres obtenue depuis le XIXème siècl et remise en question par les évolutions du climat qui assèchent le sol du delta. La pluviométrie diminue, le débit du Rhône baisse, les sols salés demandent aux activités humaines de s'adapter et de se réinventer pour perdurer.

C’étaient, pour ses parents et leurs enfants, ces dimanches d’été, de belles journées de retrouvailles, de baignades et de jeux sur le sable… Bien sûr, ces souvenirs sont lointains, peu ancrés dans la mémoire des enfants, mais la photographie témoigne du début de son histoire. Plus tard, au milieu des années 70, le décor reste le même mais les orientations changent. Finies les sorties familiales : c’est l’adolescence, les premières virées en « Mob », les nuits sous la tente en camping sauvage, sur l’immensité de la plage quasiment déserte de Piémanson ou encore au petit port et sur les plages très fermés du Grau de la Dent, réservés aux Saliniers. Quelques années plus tard, au début de la décennie 80, la voiture remplace la mobylette, la tente est désormais dans le coffre et Beauduc devient la plage tendance avec ses cabanons, ses vieilles caravanes et autobus reconvertis pour une nouvelle vie (et qui finiront sur place) le temps de week-ends et petits séjours… En plus des festivités diurnes et nocturnes, les sorties en bateau et la pêche font également partie du programme. Une dizaine d’années plus tard, un nouvel épisode s’inscrit, court toujours et reste « gravé dans le marbre »… la photographie, la photographie de Nu ! Depuis 1994, du printemps à l’automne, les plages d’Arles restent pour lui le terrain de jeu photographique par excellence, avec des décors très variés et changeants selon la lumière et la saison. De Beauduc à Piémanson, en plusieurs décennies, de nombreux changements se sont opérés et continuent de s’opérer, à la fois sous l’effet de l’action humaine (démolition des cabanons sur l’espace littoral, accès limités, camping sauvage interdit...) mais également climatiques (montée des eaux, plages réduites ou disparues, pistes coupées…)... la nature reprend désormais ses droits, et l’on retrouve le côté sauvage et confidentiel d’autrefois. Cette exposition, composée uniquement de tirages gélatino-argentiques, est le florilège de trente années de prises de vues dans ces lieux et décors revisités, mettant en scène ses modèles, que l’instant magique du déclenchement a immortalisées, dans leur jeunesse rayonnante, pour l’éternité. On photographie bien ce que l’on aime bien et que l’on connaît bien… Bonne découverte à vous.

Envie de visiter la ville d'Arles de manière originale, Taco and Co vous propose un circuit touristique unique pour découvrir la ville autrement. Tour " d'Arles à Van Gogh" : Une balade complète vous présentant ses monuments romains (Amphithéâtre, Théâtre Antique) ses places mythiques et son quartier populaire (place du Forum, Église Saint Trophime et la Roquette) sans oublier l'influence de la ville dans les peintures de Vincent van Gogh. "Tour Van Gogh campagne" : l'artiste a peint le centre d'Arles mais également les paysages alentours. Partons ensemble pour une balade le long du Rhône à la recherche des paysages qui ont ébloui Van Gogh (le fameux Pont de Langlois et Pont de Trinquetaille, le Fondation Van Gogh). L'arrivée se fait en territoire romain entre les Arènes et le Théâtre Antique afin de vous laisser flâner dans le temps.

Fille de Jean Hugo, arrière-arrière-petite-fille de Victor Hugo, Marie Hugo est une artiste anglo-française qui vit entre Londres, Paris et le Midi. Issue d’une famille illustre, elle a grandi entourée d’artistes. Elle s’exprime à travers diverses techniques avec, cependant, une prédilection pour l’encre de Chine sur toile ou papier. Inauguration le jeudi 4 décembre à 17h. Entrée comprise dans le billet d’entrée du musée

En 46 av. J-C, suite à sa victoire contre Marseille, Jules César exprime sa gratitude envers les habitants d'Arles en établissant une colonie de droit romain dans la région, octroyant ainsi un vaste territoire. La ville prospère rapidement, se parant de magnifiques édifices tels qu'un forum, des temples, un théâtre, un amphithéâtre, un cirque, des thermes, et bien d'autres. L'essor de ces monuments contribue à la splendeur grandissante d'Arles au sein de l'Empire romain. Lors de cette visite immersive, remontez le temps pour découvrir l'Arles antique dans toute sa splendeur ! Explorez les vestiges de cette colonie romaine, marchez sur les pavés qui ont témoigné de l'histoire séculaire de la ville et plongez-vous dans l'atmosphère vibrante qui régnait à l'époque. Les ruines du forum, les colonnes majestueuses des temples, l'ambiance du théâtre, l'excitation de l'amphithéâtre, et l'élégance des thermes vous transporteront directement dans le passé glorieux de cette cité romaine. Une expérience 100% antique vous attend, offrant une perspective unique sur l'héritage exceptionnel d'Arles au cœur de l'Antiquité.

Cette exposition est consacrée aux dessins de Benjamin Van Blancke illustrant le volume d’Isaac Asimov sur les Egyptiens, à paraître en avril aux Editions Les Belles Lettres. C'est une exposition de 14 dessins.

La finesse, la délicatesse et la poésie des dessins au crayon de Michel Chauvin se conjuguent harmonieusement pour révéler la nature primitive, singulière et sauvage qu'offre la Camargue, ainsi que son atmosphère intemporelle, onirique et envoûtante.

Avec pour épicentre la célèbre statue romaine retrouvée en 1651 à Arles, représentant Aphrodite, l’exposition Le passage de Vénus explore la force toujours vive du mythe. Elle tisse un dialogue inédit entre les œuvres de l’Antiquité et celles d’artistes modernes et contemporains, révélant combien l’empire de Vénus perdure, inspire, et se réinvente. Si l’apparition éclatante d’Aphrodite – Vénus – dans l’histoire des formes a nourri des siècles de commentaires et de créations artistiques, l’exposition fait aujourd’hui résonner autrement les récits qu’elle incarne : histoires de désir, de pouvoir, de beauté, mais aussi de liberté et d’émancipation. Exceptionnellement prêtée par le musée du Louvre au musée départemental Arles antique, entourée d’un cortège d’œuvres majeures, la « Vénus d’Arles », revient ainsi pour la première fois depuis 2013 sur les premiers lieux de sa découverte. Cet imposant et magnifique marbre romain du premier siècle avant J.C, inspiré d’un modèle grec, offerte à Louis XIV par la Ville d’Arles, fut d’abord conservée à Versailles avant de rejoindre les collections nationales au Louvre. Ce chef-d’œuvre antique universel est aujourd’hui exposé dans la même salle que la Vénus de Milo, où elle est admirée par des millions de visiteurs venus du monde entier.

Un accueil privilégié vous attend à l’espace enfant, tous les mercredis, afin de découvrir l’exposition en famille au moyen d’un kit à jouer et d’activités. 

En 2026, Cahiers d’Art célèbre son centième anniversaire avec un programme international : expositions dans de prestigieux musées, publication jubilaire, conférences et rencontres. Ces initiatives rendent hommage à l’influence durable de la publication tout en réaffirmant son ambition fondatrice – créer un forum où dialoguent le passé, le présent et l’avenir de l’art. Depuis sa fondation, Cahiers d’Art joue un rôle déterminant dans l’histoire intellectuelle de l’art moderne et contemporain. Ses pages ont rassemblé des personnalités de l’art, de l’écriture et de la pensée aux moments cruciaux des transformations esthétiques, façonnant la manière dont l’art moderne a été discuté, interprété et historicisé. Aujourd’hui, ses archives ne témoignent pas seulement de cette histoire : elles constituent un espace vivant à partir duquel on peut revisiter et reconsidérer le passé. Cette perspective résonne avec l’approche du programme Archives Vivantes de LUMA Arles, qui envisage les archives non comme des dépôts inertes, mais comme des systèmes actifs qui influencent ce qui peut être mémorisé, interprété et transmis. Les archives de Cahiers d’Art présentées à LUMA Arles révèlent les moments qui ont rendu l’art moderne et contemporain lisible, tout en mettant au jour des artistes, des idées et des géographies restées à la marge. Les revisiter, c’est se confronter aux fondements de la perception, de l’interprétation et de la valorisation de l’art. Réactivées, ces archives deviennent un lieu de découverte renouvelée, où les images oubliées, les gestes expérimentaux et les contributions négligées bousculent les récits établis et ouvrent de nouveaux horizons pour la connaissance artistique.

LUMA Arles présente une exposition consacrée aux Overpainted Photographs de Gerhard Richter, l’un des ensembles les plus importants et les plus radicaux de six décennies de pratique. En intervenant directement sur des instantanés photographiques à coup de peinture à l’huile, Richter démantèle la prétendue autorité de la photographie comme enregistrement fiable du réel. L’image n’est ni tout à fait révélée ni entièrement occultée : elle devient une surface disputée où représentation et abstraction s’affrontent. Dans ces œuvres denses, Richter soumet l’image photographique au geste, au hasard et à la matière. Les marques peintes interrompent sa fonction descriptive, la faisant basculer d’un support de preuve à un espace d’ambiguïté. Ce qui apparaît n’est plus un document, mais un événement – la révélation de la façon dont mémoire, perception et sens se construisent et se défont sans cesse. Overpainted Photographs traverse les questions centrales de la pratique de Richter : les limites de la représentation, l’instabilité de la vérité, les conditions dans lesquelles les images façonnent la croyance. L’exposition offre une occasion rare de découvrir ces œuvres discrètes mais radicales, et d’éprouver leur pertinence durable et leur profonde influence sur le discours artistique contemporain. À une époque définie par la prolifération et la manipulation des images, les Overpainted Photographs s’imposent comme des œuvres fondamentales, qui font de l’image un lieu d’incertitude, de résistance et de transformation.

Le sixième chapitre des Archives Hans Ulrich Obrist honore le dixième anniversaire de la disparition de Dame Zaha Hadid (née le 31/10/1950 à Bagdad, Irak – décédée le 31/03/2016 à Miami, Floride, États-Unis). Cette exposition revient sur le long dialogue entre le commissaire et l’architecte légendaire, qui débute à la fin des années 1990 lorsqu’Obrist invite Hadid à réaliser Meshworks à la Villa Médicis en 2000. Hadid siège au conseil d’administration de la Serpentine dès 1996 et y conçoit le Pavillon inaugural en 2000, à l’invitation de Julia Peyton-Jones. Suite à la nomination d’Obrist à la Serpentine en 2006, elle participe à plusieurs de ses Marathons et signe ultérieurement la Serpentine North Gallery en 2013. Pour la première fois depuis 2016, l’exposition réunit ses premières peintures calligraphiques et ses carnets — exercices de géométrie suprématiste qui nourrissent ses projets bâtis, de la Caserne de pompiers Vitra (1993) à la Tour CMA CGM (2011) à Marseille ou Pierresvives (2012) à Montpellier — accompagnés d’entretiens vidéo inédits de 2001 à 2013. Présentée dans La Tour conçue par le regretté Frank Gehry, ami proche de Hadid, l’exposition déploie trois chapitres de sa carrière d’architecte : du constructivisme à ses projets et réception précoces dans le contexte français, ainsi que sa relation au long cours avec Obrist. En étroite collaboration avec la Zaha Hadid Foundation.

LUMA Arles présente In Search of… Incredible, une nouvelle exposition de Julianknxx, poète, artiste et cinéaste, né en Sierra Leone et installé à Londres, accompagnée d’une commande inédite. Travaillant à partir du film, du son et de la performance, Julianknxx a développé une pratique singulière qui fait dialoguer la poésie et l’image animée, créant des pièces où la mémoire est portée, énoncée et continuellement reformulée. Son travail s’intéresse aux résonances de la migration et de la diaspora, tissant des récits intimes à des histoires collectives, et donnant une présence à des voix et à des expériences trop souvent absentes des récits dominants. Au centre de l’exposition, la nouvelle commande se déploie comme un environnement immersif où convergent image, son et langage. Le sentiment d’appartenance y apparaît comme quelque chose de fragile et d’actif à la fois, façonné par la transmission, l’héritage et les actes de mémoire. L’artiste aborde la narration comme un espace de rencontre, où le témoignage personnel devient le moyen de réfléchir à des questions plus larges d’identité et de continuité. In Search of… Incredible révèle la capacité de Julianknxx à créer des œuvres d’une profonde intensité, émotionnelle autant que formelle. Sa pratique pluralise la façon dont les histoires peuvent être racontées et vécues, et s’affirme comme l’une des voix les plus saisissantes de sa génération. L’exposition témoigne de l’engagement durable de LUMA Arles à soutenir les artistes qui interrogent et renouvellent notre compréhension de l’image, de l’histoire et des politiques de la voix.

Partez à la découverte du sentier du Mas du Pont de Rousty avec un guide du Parc naturel régional de Camargue, entre faune et flore, découvrez les paysages diversifiés du territoire camarguais. Long de 4,8km, il vous plongera dans un univers naturel d'exception. Rendez-vous est donné à 9h sur le parking du Musée de la Camargue. A votre retour vers 11h30, vous pourrez en apprendre davantage sur la Camargue en visitant les expositions du musée.

Inspirée de la figure anthropologique du « trickster » — personnage moqueur et subversif présent dans les mythes de toutes les civilisations — l’exposition rassemble les œuvres de 32 artistes perturbateurs. Ils et elles permettent à l’art de remplir l’une de ses fonctions majeures dans notre société moderne : mettre en turbulence les convictions, rejouer ce qui paraît acquis, élargir notre champ de conscience, faire exploser les conventions. Leur attitude, telle qu’elle perdure de la fin du XXe siècle à aujourd’hui, est au cœur de cette exposition.

Historiquement, l’équitation a joué un rôle majeur dans l’émancipation des femmes. Dès la Renaissance, les costumes dédiés à la pratique équestre emprunts au vestiaire masculin ou créations inédites ont permis à celles que l’on appellera bientôt les « amazones » de questionner leur place dans la société. L’exposition invite le public à découvrir l’histoire de ces femmes, dont la force et la beauté ont souvent été fantasmées et mécomprises. Réunissant des prêts exceptionnels d’institutions françaises et européennes, le parcours rassemble notamment des œuvres du Petit Palais, de la BnF, du musée d’Orsay, du musée Carnavalet, du musée des Arts décoratifs, du Mucem et du Muséon Arlaten, ainsi que de plusieurs musées britanniques et suédois. Parmi les pièces phares figurent la selle du XVIIᵉ siècle de la reine Christine de Suède, dite « l’Amazone du Nord », et des portraits équestres de femmes illustres de la cour de Louis XIV, réunis pour la première fois depuis près de 350 ans. De la Grande Mademoiselle à Marie Leszczynska, jusqu’aux dessins de Degas et de Constantin Guys, œuvres et vêtements dialoguent à travers les siècles sans oublier l’une des amazones les plus célèbres du XIXᵉ siècle : l’impératrice Eugénie. Plus d’une centaine d’œuvres retracent l’évolution de la mode des amazones, de la Renaissance à la création contemporaine. Longtemps perçu comme un défi aux conventions, l’habit d’Amazone s’impose progressivement comme une pièce élégante et pratique, nourrie du savoir-faire des tailleurs et des matières du vestiaire masculin, bien au-delà des manèges et des chasses. À Arles et en Camargue, cette tradition s’est réaffirmée après la Seconde Guerre mondiale, lorsque des femmes osent apparaître en amazone lors des fêtes traditionnelles. Plus récemment, dès 2001, des femmes issues de familles de gardians se regroupent au sein de l’Antique Confrérie des Gardians de Camargue et développent spectacles et démonstrations en amazone. Aujourd’hui, cette pratique connaît un nouvel essor auprès des jeunes filles et s’enseigne dès 7 ans dans certaines écoles d’équitation camarguaise. Le musée de la Mode et du Costume confie le commissariat scientifique à Valerio Zanetti, docteur en histoire et spécialiste des pratiques équestres féminines. Un catalogue, enrichi de contributions internationales, accompagne l’exposition, ainsi qu’un colloque annoncé sur le site du musée. Rendez-vous à Arles dès le 22 mai 2026, pour un voyage au grand galop au pays des Amazones !

L’exposition réunit un ensemble exceptionnel de dessins inédits prêtés par l’association « Archives Patrimoine Monsieur Christian Lacroix », ainsi que les 69 dessins de haute couture déposés au musée entre 2015 et 2024. Une traversée de l’enfance à la création consacrée L’exposition retrace le parcours graphique de l’artiste, des premiers dessins conservés depuis l’enfance aux esquisses réalisées pour la haute couture et le prêt-à-porter, en passant par ses illustrations : le taureau, l'histoire de la mode, le costume de scène, etc. Le dessin, geste essentiel Pour Christian Lacroix, le dessin n’est pas une étape mais un langage. Crayon, encre, gouache, collage ou palette graphique : « noircir une feuille » est une pratique quotidienne, spontanée, qui se prolonge vers la peinture et la céramique. Citations clés de l’artiste « Je n'ai jamais eu en tête de devenir peintre, mais toujours de dessiner au service d’un projet. » — Christian Lacroix, L’Express, 2010 « J’ai commencé très tôt à illustrer des livres et même des romans entiers. » — Télérama.fr, 2018

François Hébel, qui fut directeur des Rencontres d’Arles a choisi les quarante photos qui lui semblent essentielles dans l’œuvre du photographe. Une façon très personnelle de lui rendre hommage à travers les différents thèmes abordés par Lucien Clergue tout au long de sa carrière. Une rétrospective qui rassemble les gitans, les saltimbanques, la Camargue avec les charognes, les sables, les nus, sans oublier Cocteau et Picasso, fidèles compagnons de route du photographe.

En parallèle des Rencontres de la Photographie, le OFF dynamise la scène culturelle arlésienne avec une programmation éclectique : expositions, projections, workshops et événements rythment la ville. Véritable laboratoire artistique, le OFF encourage l’expérimentation et le dialogue autour de l’image contemporaine, transformant Arles en un terrain de jeu créatif, accessible à tous, et entièrement gratuit.

À l’occasion de la semaine d’ouverture des Rencontres d’Arles, une exposition - performance inédite du duo Gérard et Kelly sera présentée. Les deux chorégraphes américains, artistes mondialement reconnus, invités dans les plus grands musées et les plus prestigieuses maisons d’architecte (Cité radieuse, Villa Louis Carré, Villa E1027...), s’inspireront cette fois de l’histoire et du vécu de la villa Benkemoun.

Le programme des Rencontres de la Photographie 2026 a été présenté à Arles par Christoph Wiesner et Aurélie de Lanlay, sous le thème « Des mondes à relire ». Cette édition, prolongée jusqu’au début octobre, mettra particulièrement l’accent sur la transmission et la lecture des images, avec un temps fort annoncé en fin d’été : « Le septembre des Rencontres ». Dès le 6 juillet, le festival proposera un voyage entre Méditerranée et continent africain, avec un focus sur le Ghana, pays d’origine de Carlos Idun-Tawiah, auteur de l’affiche. D’autres scènes africaines, de la Côte d’Ivoire à l’Afrique du Sud, seront également mises en lumière. Le vivant sera au cœur de plusieurs expositions, entre regards sur le monde animal (Clergue, Parr, Lartigue, Salgado) et explorations végétales, notamment au Jardin d’été avec Flower Power. Pour la première fois, le parc de l’hôpital accueillera aussi une exposition en plein air. Parmi les temps forts, la Nuit de l’année se tiendra le 11 juillet aux Papeteries Étienne. Enfin, le festival accueillera des invités inattendus comme le réalisateur Park Chan-wook et Charlotte Gainsbourg, dont les photographies seront exposées.

Après une enfance en Arabie Saoudite et une Égypte idéalisée en terre promise avant son arrivée en France où désormais il réside, ce lumineux compositeur interprète avait déjà interpellé un public debout et en larmes aux Suds en 2019 avec Le Cri du Caire (récompensé en 2023 par une Victoire du Jazz). Pour ce nouveau projet, Peacok Dreams, le poète-slameur-philosophe s’adjoint l’inventivité de deux trombonistes : Robinson Khoury, jeune musicien français d'origine libanaise et Jules Boittin, membre de plusieurs ensembles hexagonaux. Inspirés par le jazz et les sonorités égyptiennes, ils explorent un langage sonore inédit. Entre psalmodies soufies et sons déstructurés, parler chanter et expérimentations sonores, cosmopolites voire animales, ou en immersion dans la bouillonnante cité du Caire, le trio propose un ovni musical numineux aussi exigeant que précieux ! Présélectionné pour le prix du Meilleur Acteur par le Centre du Cinéma Arabe à Cannes, réalisateur d’un premier court métrage, auteur d’un recueil de nouvelles... si en tant que compositeur il réalise des bandes originales pour la danse, le théâtre et des expositions d’art plastique dans le monde entier, ses mots trouvent un écho tout particulier dans le Moyen Orient au point d’être désigné par le Parlement européen comme l’un des « acteurs du changement » de l’espace Schengen. Avec Abdullah Miniawy (chant, paroles et musique, direction artistique), Robinson Khoury (trombone) et Jules Boittin (trombone et arrangement pour trombones).

Jumelé aux journées du patrimoine dont la thématique est " patrimoine en danger " ; la quatrième édition du marché céramique d’Arles devient un rendez-vous incontournable. Le Mas Baudran, plus ancien mas arlésien, ouvrira le bal avec la conférence donnée à l’espace Van Gogh, le samedi 19, à 18h. La thématique " patrimoine en danger " est abordée sous le prisme de l’exploitation de l’argile, des problèmes qu’elle peut engendrer, en questionnant l’environnement local. Le lendemain, vous pourrez retrouver 32 céramistes professionnels et leurs créations, sur la place Wilson. Le choix fût ardu parmi les cent-soixante-dix candidatures reçues. Mais l’association Terres d’Arles a eu à cœur de mettre en valeur des céramiques d’exceptions et éclectiques afin de ravir le cœur des visiteurs néophytes ou amateurs. Durant tout le mois de septembre, vous pourrez découvrir l’exposition des réalisations façonnées avec l’argile du Mas Baudran par les céramistes de l’association.

Le Salon International des Santonniers d'Arles a été créé en 1958 par les artisans artistes santonniers dont le président était Monsieur Marcel Carbonel, et l'illustre conservateur des musées de la ville d'Arles Jean Maurice Rouquette. Ainsi depuis plus de 60 ans, Arles met à l'honneur le métier de santonnier et cet art populaire emblématique. En 2025, la ville italienne d'Aoste sera l'invitée d'honneur. Messe des santonniers à Saint Trophime - Le dimanche qui clôture le salon à 11h

Grâce à ses artisans, fabricants et producteurs régionaux réunis au Palais des Congrès d’Arles, c’est bien le savoir-faire de 150 exposants d’exception et les traditions locales qui seront à l’honneur durant 4 jours, autour de 4 principaux secteurs d’activités : Gastronomie, Boissons, Vins et Spiritueux Mode, Beauté et Bien-Être Maison et Décoration Loisirs, Culture et Patrimoine Une magnifique occasion de faire rayonner toute la richesse de la Provence avant les fêtes de fin d’année et même au delà puisque, pour cette édition, le savoir-faire national s’invite également, avec la participation d’exposants d’autres régions dans le cadre du « Made in France ». Au programme : · Dégustations et découvertes culinaires · Ateliers créatifs et sensoriels · Séances de dédicaces · Animations pour petits et grands : magie, maquillage, ferme pédagogique, calèches, photo avec le Père Noël · Espaces restauration & ambiance musicale festive Une magnifique occasion de plonger dans l’ambiance des fêtes de fin d’année, de soutenir les talents régionaux et de partager un moment chaleureux en famille ou entre amis.

Cette exposition propose, à partir d’un thème original, de retracer l’histoire de la Légion étrangère à travers ses couronnes et les personnages qui les ont portées. Souverains, rois ou empereurs, de nombreux liens les rattachent à la Légion et lui ont valu ses premières couronnes de gloire. Les nombreux objets présentés, issus à la fois des collections du musée et de prêts extérieurs, évoquent autant l’histoire politique et militaire de la France et de la Légion étrangère que celle de ces figures emblématiques. À travers cette exposition, le visiteur découvre l’attachement de la Légion et de ses hommes aux plus anciennes traditions de noblesse et au culte du service.

Le site vous accueille dans ses 2000 m² pour un cheminement à la découverte de la Légion et de ses légionnaires depuis sa création en 1831 jusqu'à nos jours. Le musée propose : Une exposition permanente évolutive d’œuvres consacrées à la Légion et aux légionnaires Une boutique avec des souvenirs, des ouvrages et du vin du domaine du Capitaine Danjou produit par d’anciens légionnaires et dont la vente permet le financement de l’entraide légionnaire.

Le Chingu Wave Festival arrive pour la première fois dans le Sud de la France, à Aubagne, à l’occasion d’un événement hautement symbolique : les 140 ans de relations diplomatiques entre la France et la République de Corée, célébrés en 2026. Un anniversaire né du Traité d’amitié, de commerce et de navigation signé le 4 juin 1886, qui illustre la richesse des liens entre nos deux pays. Cette édition sera marquée par la présence exceptionnelle de notre invité coréen principal, le DJ et artiste Peakboy, figure emblématique de la scène musicale coréenne. Il viendra spécialement en France pour rencontrer le public et partager un moment unique avec les festivaliers. Un fan sign exclusif sera également organisé pour 50 chanceux, offrant une rencontre privilégiée avec l’artiste. Pensé comme un pont entre la France et la Corée, le Chingu Wave Festival invite le public à vivre une immersion festive, moderne et accessible dans la culture coréenne. Passionnés, curieux ou simples amateurs de découvertes, chacun y trouvera sa place. Pendant deux jours, Aubagne vibrera au rythme de la culture coréenne sous toutes ses formes : shows, performances, food, stands, rencontres et conférences viendront rythmer un week-end unique, chaleureux et ouvert à tous. Le samedi soir, le festival prendra une dimension encore plus festive avec une soirée exceptionnelle portée par des performances et une ambiance unique, prolongeant l’expérience jusqu’au bout de la nuit. Au-delà de la célébration, le festival s’inscrit dans une volonté forte : créer un espace vivant de dialogue interculturel, favoriser la découverte et renforcer les liens d’amitié entre la France et la Corée. Le Chingu Wave Festival, c’est plus qu’un événement : c’est une expérience à vivre, un voyage sans quitter la France, et un moment de partage où toutes les générations trouvent leur place. On vous donne rendez-vous à Aubagne pour écrire ensemble cette première édition inoubliable. Chinguuuu on vous attend nombreux!

Une exposition "Souvenirs d'un autre siècle, les plus anciennes photographies d'Aubagne" sera présentée ainsi qu'une "Immersion dans les archives".

Céline Marin, dont les dessins surréalistes et humoristiques mêlent quotidien et absurdité, et Quentin Spohn, dont les toiles monumentales et satiriques explorent les excès de la société contemporaine. Une rencontre entre poésie décalée et imaginaires déjantés.

Premier grand rendez-vous de l’été, on y vient en famille en amis… Chaque édition fait naître de nouveaux échanges entre artistes et spectateurs, on en ressort transformé. Le temps du festival, la ville est plongée dans une ambiance andalouse et investi plusieurs lieux. avec au programme : musique, danse, master class, initiation à la sévillane, cinéma, expositions, cooking show, conférence, village andalou, bal sévillan, etc.

La Maison du Tourisme propose à tous les groupes, une visite gratuite du Vieux Village du lundi au vendredi. Cette visite peut s'effectuer sur une journée, une demi-journée ou encore quelques heures. La guide de la Maison du Tourisme vous fera diverses propositions en fonction de vos attentes. Vous pourrez visiter les divers monuments du village, les ateliers des artisans et producteurs du terroir ou encore les expositions du moment. Visite pour les groupes de minimum 15 personnes. Réservations par téléphone ou par mail.

Aux portes de Marseille, à 228 mètres d’altitude au pied du massif de Garlaban, Allauch de par sa situation géographique et son exposition au vent, accueille depuis le 12ème siècle des moulins à vent bâtis dans la tradition provençale. D’abord situés à l’intérieur du château (12ème siècle) puis sur l’actuelle place de l’église Saint Sébastien jusqu’à ce que la construction de celle-ci leur coupe le vent, les moulins ont été déplacés sur l’actuelle esplanade qui n’était alors qu’une butte. Ces moulins, prospères jusqu’à la fin du 18ème siècle, ont cessé de battre le blé à l’aube de l’ère industrielle. En 1900, ayant perdu leurs ailes, ils furent réduits à la fonction de grange à paille. Aujourd’hui, deux moulins sont restaurés : le moulin Camoin, rénové en 1936 pour son gros œuvre et en 1970 pour le toit et les ailes et le moulin Ricard, restauré intégralement avec son mécanisme en 2013. Il peut aujourd’hui moudre le blé comme autrefois. De forme cylindrique, le moulin Ricard est dit de type « tour », son assise fixe est réalisée en maçonnerie et surmontée d’une toiture pouvant pivoter à 360° afin d’orienter les ailes face au vent. Les moulins provençaux n’ont qu’un étage, généralement avec ossature et escalier en bois. Les ailes, entrainées par le vent, actionnent la lanterne et le gros fer qui transmettent leur mouvement à la meule tournante. Le blé, versé dans la trémie, est alors écrasé entre la meule dormante (fixe) et la meule tournante. La mouture est récupérée au rez-de-chaussée dans une huche en bois. Une démonstration complète (ailes en mouvement) ne sera possible qu’en présence d’un vent suffisant. Des visites peuvent être faites en semaine sur réservation pour des groupes de 15 personnes. La réservation peut se faire par téléphone ou par mail. https://www.youtube.com/watch?v=Fu2h5AaU7Y0

L’exposition « Fréquences et Structures » du peintre bordelais Jean-Marc Larhantec ouvrira ses portes du samedi 30 mai au dimanche 27 septembre, au sein de la Galerie du Pôle culturel de l’Usine électrique. Allauch offre ainsi un formidable coup de projecteur sur plus de 60 œuvres qui traduisent une recherche de résonance universelle. Un travail qui fait alors écho à l’histoire d’un lieu, transformant l’Usine Électrique en un espace où l’art et l’énergie se rejoignent. Installée à l’Usine Électrique, vitrine de la culture sous toutes ses formes, l’exposition prend toute sa dimension. Pour l’artiste : La connexion est naturelle. Tout comme l’Usine transformait de l’énergie à partir de la matière, je tente de générer une énergie émotionnelle à travers mes toiles. Venez apprécier la recherche d’une densité, d’une résistance, d’une présence réelle de la matière. Quand la texture n’est pas décorative, mais constitue le langage même de l’œuvre nait d’une immersion sonore. Les œuvres de Jean-Marc Larhantec ne cherchent pas à être expliquées, mais ressenties. Chacun pourra y trouver une émotion, un souvenir, une sensation. Cette approche très personnelle rend l’exposition accessible à tous, curieux, féru ou amateur. Ancien designer et créateur visuel auprès de marques prestigieuses (Rolls-Royce, Estée Lauder, Chanel, Yves Saint-Laurent et Louis Vuitton), Jean-Marc Larhantec qui se plait à dire que tout a commencé à Marseille, s’est imposé comme un peintre abstrait incontournable par son travail qui invite à vivre une expérience simple et sensible : voir, écouter, ressentir. L’exposition « Fréquences et Structures » du peintre bordelais Jean-Marc Larhantec ouvrira ses portes du samedi 30 mai au dimanche 27 septembre, au sein de la Galerie du Pôle culturel de l’Usine électrique. Allauch offre ainsi un formidable coup de projecteur sur plus de 60 œuvres qui traduisent une recherche de résonance universelle. Un travail qui fait alors écho à l’histoire d’un lieu, transformant l’Usine Électrique en un espace où l’art et l’énergie se rejoignent. Installée à l’Usine Électrique, vitrine de la culture sous toutes ses formes, l’exposition prend toute sa dimension. Pour l’artiste : La connexion est naturelle. Tout comme l’Usine transformait de l’énergie à partir de la matière, je tente de générer une énergie émotionnelle à travers mes toiles. Venez apprécier la recherche d’une densité, d’une résistance, d’une présence réelle de la matière. Quand la texture n’est pas décorative, mais constitue le langage même de l’œuvre nait d’une immersion sonore. Les œuvres de Jean-Marc Larhantec ne cherchent pas à être expliquées, mais ressenties. Chacun pourra y trouver une émotion, un souvenir, une sensation. Cette approche très personnelle rend l’exposition accessible à tous, curieux, féru ou amateur. Ancien designer et créateur visuel auprès de marques prestigieuses (Rolls-Royce, Estée Lauder, Chanel, Yves Saint-Laurent et Louis Vuitton), Jean-Marc Larhantec qui se plait à dire que tout a commencé à Marseille, s’est imposé comme un peintre abstrait incontournable par son travail qui invite à vivre une expérience simple et sensible : voir, écouter, ressentir. Informations pratiques Retrouvez ses toiles exposées à la Galerie sur 400 m² du samedi 30 mai au dimanche 27 septembre. Entrée libre.

La Maison de Quartier Gérard Philipe vous propose une exposition mettant à l’honneur la créativité de ses adhérents, entre arts plastiques et travaux manuels, à découvrir du mardi 2 au samedi 6 juin, de 15h à 19h (en continu), à la Galerie d’art du Vieux Bassin (montée Marius Barret, Allauch village). Au fil du parcours, le public pourra admirer de nombreuses œuvres réalisées tout au long de l’année : aquarelles, peintures acryliques, huiles, dessins, fusains, encres de Chine… La poterie occupe également une place importante avec des créations variées : modelages, plaques-empreintes, moulages sculptés ou encore terres mêlées. Les plus jeunes comme les adultes présentent leurs travaux, illustrant une belle rencontre intergénérationnelle autour de la création artistique. Informations pratiques Galerie d’exposition du Vieux Bassin Du mardi 2 au samedi 6 juin, de 15h à 19h (non-stop) Entrée libre

Du vendredi 5 au dimanche 7 juin, le Pôle culturel de l’Usine Électrique accueille le Salon des éditeurs de Corse. Organisé par l’association des éditeurs de Corse et la Maison de la Corse de Marseille en partenariat avec la Ville d’Allauch, l’événement s’articulera autour de la projection d’un film, de tables rondes et rencontres, de conférences ou encore de séances de dédicaces… Partez à la découverte de la culture insulaire au travers de sa création littéraire contemporaine sous toutes ses formes et offrez-vous le plaisir de (re)découvrir la Corse autrement. Programme : Vendredi 5 juin (Auditorium) : 18h30 : projection du film « Le Mohican » et débat en présence de son réalisateur, Frédéric Farrucci qui évoquera ce chef d’œuvre sur la résistance à la spéculation immobilière et aux appétits du grand banditisme. Sur réservation au 07 77 89 37 82. Samedi 6 juin (Auditorium) : 10h : ouverture au public. 10h30 : rencontre avec des auteurs sur le thème « Romans de la Corse ». 14h30 : conférence du journaliste Michel Codaccioni, « Santa Restituta, le mystère du sarcophage dissimulé ». 15h30 : conférence de l’historien Michel Vergé-Franceschi, « Aux origines de la tête de Maure ». 16h30 : rencontre « Science et Nature », en partenariat avec l’Université de Corse et en présence de la professeure d’histoire-géographie,Sophie Garrone et du chercheur Marc Gibernau. 18h30 : apéritif et animation musicale en présence de la poétesse, chanteuse et comédienne Patrizia Gattaceca, du chanteur, auteur et interprète, Antonu Marielli, d’Etienne Perfetti (leader et ex-guitariste du groupe « Diana di l’Alba ») et de l’atelier de polyphonies de la Maison de la Corse. Sur réservation au 07 77 89 37 82. Dimanche 7 juin (Auditorium) : 10h30 : rencontre avec des auteurs sur le thème « Diversité de la langue corse, étudier, créer, traduire ». 14h30 : conférence de l’historien Pierre Dottelonde « Corse, la déflagration – Aleria août 1975 ». 15h30 : conférence d’Antonu Marielli « Core a Vucciata da u Cotone à a Corsica Sana ». 16h30 : rencontre avec l’homme politique et professeur d’Université, Dume Taddei, « Quand l’Amérique débarqua… ». Informations pratiques Possibilité de se restaurer sur place avec des produits du terroir. Entrée libre et gratuite

Rendez-vous dès 18h30 pour célébrer la Terre, le Talent et les belles Rencontres : - Exposition des oeuvres de Korina Mariotto, peintre, Sandra R., peintre, et Nicole Brousse, sculptrice - Food truck - musique en live - vins et terroirs

Lors de cette conférence ouverte à tous, Virginie Bocca Cellier, nous fera bénéficier de son expérience de psychologue spécialisée en neuropsychologie et retraitement des mémoires et des évènements marquants. Elle évoquera particulièrement toutes ces choses qui sont transmises, de façon inconsciente, d'une génération à l'autre.

Marcel Pagnol, maître de la littérature et du cinéma français, célèbre la Provence, ses paysages, ses traditions et ses personnages authentiques. À travers ses œuvres, il évoque la vie simple, la famille, l'amour et la nature avec une sincérité touchante. Cette exposition met en lumière son talent pour capturer l'âme de la Provence et transmettre des émotions universelles. Lieu : Bibliothèque Municipale l'Ariane, 22 Av. Dr Emmanuel Agostini, 13260 Cassis Entrée libre. Horaires d'ouverture de la bibliothèque : Mercredi de 9h à 12h et de 15h à 17h Vendredi de 9h à 12h Samedi de 9h à 13h Exposition préparée et présentée par l'équipe de la Bibliothèque.

Les objets archéologiques présentés ont été découverts lors de fouilles effectuées à Cassis. Cette collection a été enrichie par du mobilier archéologique prêté par le DRASSM (Département des Recherches Subaquatiques et Sous-marines de Marseille) en provenance des épaves antiques environnantes. Horaires du Musée : mercredi, jeudi, vendredi : 10h00-12h30 et 13h30-17h30. Samedi : 10h00-13h00. Entrée Libre

A partir du 1er octobre 2025 Aureille - Les Baux-de-Provence - Saint-Rémy-de-Provence Au cœur des Alpilles, la nature s’exprime intensément. Cette pépite, dont l’harmonie semble immuable, n’est pas qu’un paysage attractif apprécié de tous. Avant tout, et depuis toujours, chaque espace est un lieu de vie. Ici, à la rencontre de plusieurs influences biogéographiques, la faune et la flore révèlent avec force leur caractère méditerranéen, chauffé par le soleil et séché par le vent. Pour notre exposition « Les Alpilles par nature », nous avons choisi d’aller à la rencontre du public en investissant trois lieux emblématiques : la Maison du Parc à Saint-Rémy-de-Provence, les rues d’Aureille et celles des Baux-de-Provence. Aureille a été récompensée comme meilleure commune de France pour la Biodiversité en 2024. À partir d’octobre 2025, les rues du village accueillent l’exposition du Parc des Alpilles et ses photos de nature qui révèle cette riche biodiversité. Vernissage : le samedi 4 octobre à 17h Rendez-vous devant la mairie d’Aureille

Au programme du week-end : -Toutes sortes d'exposants, de thérapeutes, d'ateliers, de conférences ayant un lien avec le bien-être pour les personnes (adultes et enfants) et aussi pour les animaux (chevaux, chiens, chats...) ; - Un petit marché Bio sur lequel marchands, producteurs, créateurs ou toutes personnes ayant des produits Bio ou travaillant à partir de produits nobles et naturels seront les bienvenues ; - Un service restauration est prévu le midi avec plusieurs foodtrucks et des produits Bio de producteurs locaux servis aux abords de la carrière ; - Quelques animations équestres pendant la pause déjeuner ; - Plusieurs ateliers et animations comme des promenades à poneys ou en calèche, des ateliers de dessins, de créations...